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　　尽管本次个展的重心放在花与风景之上，展览仍保留了一件《美人蕉》。这件作品更像一个坐标，既指向早期的重要创作经验，也为观众理解您当下绘画中笔触、节奏与身体感知的延续性提供参照。美人蕉突破了自然物象的写实边界，以浓烈的色彩构成一种被反复讨论的“身体意识的视觉转译”。在您看来，这里的“身体”更接近感性的、生理的经验，还是心理或精神层面的存在？您对红色的持续使用，是出于某种内在的必然性，还是源于绘画过程中的身体反应？

　　AYE：回看您的创作历程，早期作品在画面密度与情绪能量上都显得更为饱满，而近年作品中，留白逐渐成为重要的构图策略，单独的花朵频繁出现。发展至“风景”系列，这一逻辑并未中断——风景并非新的主题，而是花的另一种变体，是同一身体节奏在更开放空间中的延伸。与此同时，您的主题似乎不再紧密围绕美人蕉，而是向更开放的状态扩展。这种从“充满”到“内敛”的变化，是否与自身阶段性的成长有关？在当下的创作中，您是否更关注向内的精神经验——一种如何通过画面抒发内在灵性的方式？相比早年更偏向情绪与激情的表达，如今的绘画是否在主体性上变得更加清晰？

　　蔡锦：观众确实常常会带着这样的疑问来看我的作品，试图理解我的创作初衷。对我来说，我发出的是一位女性艺术家的声音，但并不会刻意强调“女性身份”这个概念。比方说，小尺幅的“玫瑰”和“百合”容易引发女性艺术家自我投射的联想；90年代，美人蕉被画在高跟鞋、浴缸、床垫、软皮革沙发、自行车座等材料上，只是因为这些日常物件的质感深深吸引了我。当这些个人经验进入美术馆空间，成为艺术家私密的生命独白，自然开启了更具公共性的视觉对话。